Henry Vargas: Diseño y Educación

Entrevista a Henry Vargas sobre su participación en elCongreso Mundial de Diseño en Querétaro México, post publicado en Experimenta.es

< http://www.experimenta.es/blog/henry-vargas-diseno-y-educacion-3831 >

Hoy en día es importante estar al tanto de cualquier movimiento en la esfera del diseño,  pues cualquier ficha que se mueva, nos afecta. Para “post” de “Diseñacr” -último del año 2012-, entrevisté a Henry O. Vargas Benavides, investigador y profesor de Diseño de la Universidad de Costa Rica, en la Sede de Occidente, por su participación en el pasado encuentro de la ciudad de Querétaro, México, sobre el Diseño Gráfico y la Bienal Internacional del Cartel.

LFQ: ¿Cuáles fueron las principales temáticas abordadas en ese encuentro?

Henry Vargas: En primer lugar hay que aclarar que esta “12 Bienal Internacional del Cartel en México” y el “Congreso Mundial de Diseño” en Querétaro, acogió por vez primera el primer “Seminario de Educación y Diseño”, por tanto las temáticas fueron amplias y variadas.

LFQ: Háblanos entonces de la Bienal, ¿cómo impacta a la profesión?

Henry Vargas: La presente Bienal del Cartel albergó cuatro temas primordiales, el de la cultura, la problemática política y social, el publicitario y el de la economía verde, este último dirigida a jóvenes menores de 27 años y con carteles inéditos. Además se realizaron exposiciones sobre el cartel de connotados diseñadores, tanto en el Museo Franz Mayer, del Distrito Federal, como en diferentes espacios en la ciudad de Querétaro.

LFQ: El Congreso Mundial de Diseño, ¿qué aportó?

Henry Vargas: El Congreso acogió exposiciones y ponencias de reconocidos diseñadores del cartel como a Gitte Kath y Finn Nygaard de Dinamarca, Stephan Bundi de Suiza, Kenya Hara de Japón, Felipe Taborda de Brasil y un grupo de diseñadores de Taiwán. El país invitado al Congreso fue Estados Unidos, por lo que tuvimos la oportunidad de contar con conferencias de importantes diseñadores como Eric Boelts, Antonio Castro, Art Chantry, Javier Cortés, Alice Drueding, David Kunzle, Elizabeth Resnick, Phil Risbeck y Lanny Sommese. Además de importantes diseñadores y maestros suizos, polacos, checos, canadienses, mexicanos, ecuatorianos, venezolanos, entre otros. Esto permitió obtener una visión desde el diseño gráfico, el industrial, de vestuario, del espacio, sobre los temas y carpetas de cada exponente.

LFQ: En ese ir y venir del congreso y la bienal, ¿qué alcance y discusiones atendieron al tema específico de la educación del diseño?

Henry Vargas: El “Seminario de Educación y Diseño” se centró en las distintas metodologías, problemáticas y propuestas que desarrollamos los colegas desde las aulas universitarias. Se contó con la participación de países como México, Estados Unidos, Argentina, Venezuela y Costa Rica. Es de destacar la organización concisa, clara y amena por parte de los maestros Félix Beltrán y Teresa Camacho de México, coordinadores del Seminario y el apoyo de Xavier Bermúdez, director de la Bienal y el Congreso.

LFQ: Importante clarificar el rol actual del diseñador ante una coyuntura tan cambiante, ¿qué estrategias se vislumbran ante las problemáticas globales?

Henry Vargas: En general en el diseñador contemporáneo se ha creado una conciencia en solventar necesidades sobre la protección de los recursos del planeta, de la sustentabilidad, de energías renovables y reutilizables; además de concientizar a la población en lo referente a las problemáticas sociales, sobre la igualdad y el respecto mutuo, así como la conservación de sus tradiciones, de su huella patrimonial y la identidad de nuestros pueblos.

LFQ: Al diseñador actual, ¿lo hace la experticia, la tecnología, la creatividad? ¿Cuáles son los aportes de las escuelas?

Henry Vargas: El diseñador que hoy en día se gesta desde una escuela de diseño desarrolla destrezas que son parte de su misma naturaleza, las proyecta por medio de líneas, formas, colores que armoniza con el conocimiento, las herramientas y las ideas de su propio accionar. Ese productor está influenciado por los medios socioculturales que forman parte de su bagaje histórico. Podemos decir también que el diseñador contemporáneo solventa una “necesidad” que lleva a la resolución efectiva de los problemas por medio del resultado conjunto, producto de este accionar, por tanto, no se les puede separar.

LFQ: ¿Cómo valorar los aportes de las tecnologías de la información y comunicación (TICs) en el campo específico del diseño gráfico?

Henry Vargas: Como ejemplo destaco el trabajo presentado por el investigador y artista canadiense de tecnologías de información, Luc Courchesne, quien ha desarrollado videos interactivos desde los años ochentas. Lo que pretende es que los participantes naveguen desde un espacio expositivo en medios virtuales y puedan comunicarse con otros, así como compartir sus experiencias por medio del diálogo y la imagen. Esto permite intercambiar ideas desde sus ámbitos culturales, sea en una misma sala de exposiciones o interconectados con otros espacios en dos o tres países a la vez. La diferencia a las redes sociales actuales es que el proyecto permite interactuar con todo el cuerpo y expresar las sensaciones inmediatas desde dentro de una gran campana de proyección virtual y movilizarse por el espacio proyectado por medio de un control de mando.

LFQ: Hoy se habla mucho de INNOVACIÓN como la clave para el futuro y éxito de diseño. ¿Se aprende a innovar?

Henry Vargas: Por supuesto que el diseño se innova día con día, pero para esto es importante conocer sobre la historia misma de su especialidad y determinar si un producto existente puede mejorarse aún más. Hoy en día, la historia inmediata se logra a través de encuentros entre distintas disciplinas, en las que se intercambian conocimientos, sea desde su ciudad, región, medios virtuales o en encuentros internacionales como el Congreso.

LFQ: Muchos de los diseñadores que he entrevistado concuerdan con la importancia de los fundamentos del diseño, la técnica, expresión y conceptos que generan experticia, ¿Cuál es tu visión al respecto?

Henry Vargas: Si bien la tecnología es una herramienta que facilita dicho desarrollo, el buen diseñador continúa bocetando, proyectando manualmente antes de plasmar sus conceptos en un medio como la computadora. Esto lo advirtieron indirectamente los especialistas en las ponencias presentadas, lo que permite observar que en las escuelas de diseño son insustituibles los cursos de diseño básico y los de dibujo.

LFQ: ¿Asoma esta preocupación sobre los fundamentos en la realidad de la Bienal del Cartel?

Henry Vargas: Varios de los carteles que recibieron mención fueron dibujados o realizados manualmente y otros recibieron algunos retoques digitales posteriores, por tanto, podemos detallar que en el presente la mano aún no puede ser sustituida del todo por la mecanización.

LFQ: Respecto a la participación del maestro Félix Beltrán –quien goza de amplio reconocimiento en el país-, ¿cuál fue la naturaleza de su abordaje?

Henry Vargas: El maestro Félix Beltrán manifestó la trascendencia de este primer Seminario, pues enfoca la esencia misma del diseño desde los procesos formativos en los estudiantes. El punto más valiosos del encuentro consiste en el intercambio del conocimiento entre los diferentes académicos con el público presente y la comunidad internacional.

Para Félix Beltrán la clave de la enseñanza consiste aprovechar al máximo la potencialidad de los estudiantes desde sus realidades y necesidades. Esto radica en servirse de los recursos tecnológicos contemporáneos que les rodean y combinarlos con el aprendizaje del diseño. Por otro lado, enfatizó que desde sus primeros y grandes maestros comprendió que la clave del buen diseño subyace en la simplicidad, por lo que debe ser directo, limpio y preciso.

LFQ: ¿Tú como docente de diseño y diseñador, en qué crees, cuáles son tus referentes, que buscas?

Henry Vargas: La clave radica en el conocer nuestra realidad identitaria, pluriétnica y multicultural. Desde niño he sentido el deseo de conocer más sobre el complejo proceso sociocultural de la realidad de nuestros pueblos y el de nuestros abuelos. Esto me ha llevado posteriormente como diseñador a estudiar el diseño precolombino costarricense, desde los tesoros patrimoniales que poseemos y el remanente precolombino en el diseño contemporáneo, como lo es el estudio de estos tópicos en artistas y artesanos en la región centroamericana.

LFQ: ¿En qué contribuyó tu participación en dicho evento de Querétaro para el diseño nacional?

Henry Vargas: El presente “Congreso Mundial de Diseño” me llevó a presentar a los colegas y al público del Seminario los dos temas mencionados atrás y cómo estos se están implementando en los procesos de enseñanza en las aulas y desde Costa Rica. Además, de recibir un taller con el maestro Eduardo Terrazas, quien se ha dedicado a estudiar y difundir la tintorería tradicional de los pueblos indígenas mexicanos. Esto permite identificar y conocer aún más nuestras raíces indígenas y difundirlas en la academia, en este caso desde la simbología y la aplicación del color en el diseño. Al mismo tiempo permitió intercambiar opiniones sobre las diferencias y similitudes entre nuestros países, pues no debemos olvidar el rico intercambio mesoamericano que tuvimos desde épocas como la prehispánica y la colonial.

LFQ: Según tu percepción de los carteles de la Bienal, y a manera de conclusión de esta entrevista, ¿hacia dónde crees que va el cartel? ¿En qué se está innovando?

Henry Vargas: Si bien, en las últimas bienales en México privan temas como los ya mencionados atrás, para la Bienal del Cartel en Bolivia del 2013 lo puntos a tratar son similares, pero se incluyó el de la crisis mundial. Estas temáticas permiten evidenciar en el cartel una vía crítica, estética y del gran potencial en el que se denuncia el irrespeto humano, la conciencia sobre el cuido del planeta y el desarrollo de políticas culturales globales. Por tanto el cartel, como medio directo para la transmisión de múltiples ideas, se innova constantemente al denunciar los diversos temas sociales y biológicos que nos aquejan, involucran e importan.

El maestro Félix Beltrán y el diseñador-docente Henry O. Vargas

El maestro Félix Beltrán y el diseñador-docente Henry O. Vargas

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¿Qué hace cada uno de nosotros por el planeta?

Pensé que era suficiente con recoger los empaques de cajas de cartón, reutilizarlos para hacer tejidos de alfombras, y con ello evitar que vayan a engrosar las toneladas de basura que produce la ciudad. Creí que con no sacar el auto e ir en autobús a la capital, estaría haciendo algo por evitar producir esos gases y cenizas benzínicas que ensucian la atmósfera. Desee no consumir un producto más que el necesario para vivir cotidianamente, sin embargo, pasada la algarabía de fin de año vemos por ahí tiradas montones de cajas, latas de cerveza, botellas, cajas de pizzas y de pollos fritos, que ensucian el entorno y demuestran una actitud de las grandes masas poblacionales de que no les importa nada y se mantienen insensibles ante un planeta que a pesar de todo les ofrece la existencia.

Cuando inicié el proyecto de la revista Museo del Árbol, creí que podía conquistar adeptos y apasionados hacia la naturaleza para que ofrecieran una mirada de contemplación que devuelva amor a todas sus criaturas; hoy pienso que no es suficiente con publicar lindas fotitos y escribir textos poéticos, que hay que afirmar nuestro espíritu combativo, sin caer en la inoperancia de muchos grupos ecologistas que entraban muchas cosas que deben ser lógicas y reales para la defensa de la Tierra.

Escuchando el discurso de José Mujica, Presidente de Uruguay, que corre en el siguiente enlace: < http://www.youtube.com/watch?v=Pa9lz7SV_7Q > me ofreció amplia claridad sobre esos problemas que aquejan al planeta y a lo cual él puso amplio discernimiento ante la asamblea de Río + 20. Entonces parece que no estamos haciendo nada y que los problemas son más graves de lo que pensábamos.

Sin embargo la esperanza es tratar de seguir siendo fieles a la madre naturaleza y me hace evocar un cuento chino que dice que una avecilla, al ver el bosque arder con ello su nido, fue al lago mojó el plumaje de sus alas y voló más alto que las llamaradas para sacudirlas y que cayeran las diminutas gotitas de agua sobre el incendio. Las demás avecillas del bosque se rieron de esa ocurrencia criticándola que jamás lograría apagar aquel siniestro, por lo que el avecilla les reprendió diciendo que si todas juntas se unieran a ella y fueran al lago a mojarse, entonces sí lo harían.

Esto es cierto, quizás nuestras pocas fuerzas humanas no son suficientes para remediar ese mal generalizado que afecta a la ecología del planeta, pero debemos poner pensamiento y estrategias para poco a poco hace una ola -como esas que forman en los estadios-, para que esos bríos remueva tanta suciedad, tanta depresión, tantos egos, y tanta insensibilidad para con nuestra Madre Tierra.

En estas días festivos, con mis nietos, nos propusimos hacer esta alfombrita para el sillón del estudio, reutilizando los cartones de empaques y darles una segunda vida.

En estas días festivos, con mis nietos, nos propusimos hacer esta alfombrita para el sillón del estudio, reutilizando los cartones de empaques y darles una segunda vida.

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El vivir actual

A inicios de los años setentas, cuando yo era estudiante de secundaria en el Liceo Nocturno de Cartago que ocupa, aún hoy, el espacio del Colegio San Luis Gonzaga, qué me iba a imaginar que cuarenta años más tarde, estaría escribiendo estos pensamientos acerca del vivir en una época de grandes transformaciones de la humanidad, como el acto de escribirlos y publicarlos y que otros semejantes compartan o no sus fondos.

Jamás se me dibujó en la mente idea alguna de los que sería el futuro, y la obligación actual de aprender a cada instante para estar al día, además de la necesidad de reinventarse dentro de condiciones cambiantes, pues, si no lo hacemos, otros lo harán por nosotros relegándolos a una última posición de la competencia en que todos estamos inmersos.

Para continuar en la lucha de la vida moderna, la única opción que se tiene hoy en día es ésa: reinventar lo que hacemos del lado de la tecnología, pues ya no habrá marcha atrás: Yo no me veo escribiendo en cuadernos como lo hacía antes, o con la antigua máquina de escribir, hoja por hoja, corrigiendo con témpera blanca y retecleando sobre lo que se quería corregir. Ya nadie se ve con el ábaco contando en unidades de diez. Hoy no nos acordamos casi de la vieja imprenta cuando se levantaba palabra por palabra, renglón por renglón, párrafo por párrafo, página por página, para luego imprimir el libro.

Sin embargo, más que nunca se nos requiere tener todo ese bagaje presente, tener de nuestro lado el recuento histórico de los hechos que nos permitieron dar el salto; olvidar el pasado sería como decirle no al presente y por ende al futuro, pues fueron tiempos que nos catapultaron para vivir de la  manera que hoy lo hacemos.

Quizás si me lo propusiera y me aislara en un paraje lejano sin contacto con la civilización de la computadora, de los video juegos, de las redes sociales, sin estar conectado a la corriente eléctrica, por lo tanto sin televisión, radio, internet e intentara pintar como lo hizo Leonardo, tal vez lo logre, pero vivir inmerso en la realidad cotidiana nos somete a un ritmo indetenible, a hacer una pintura en acción, un dibujo desdibujado pues las tensiones incrementan y nos sumen en el desenfreno de ir a la deriva sin rumbo.

Pensar en eso asusta, sin embargo hemos aprendido a afrontar las incertidumbres de este modelo de vida con sus contingencias intrínsecas, cuando sabemos que vamos hacia delante con la necesidad de descubrir contantemente el camino.

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Diseño Industrial en Venezuela

Nuevo post en el blog de nuestro amigo Ignacio Urbina Polo, sobre una muestra de diseño industrial venezolano en Caracas, una excelente oportunidad para conocer los que se hace y diseña en Venezuela: http://www.ignaciourbina.com/blog2012/resena-exposicion-nomateria-en-el-medi-el-espacio-donde-los-bits-se-convirtieron-en-atomos/

 

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ENTRE EL TEJIDO Y LA GESTIÓN_

 Dinorah Carballo_ Madrid, noviembre 30, 2012

Lala de Dios Teijeira es  dirigente en el campo textil en Europa y América Latina, vive en España, se ha formado en distintas áreas en el campo de la gestión, en el campo asociativo, en las técnicas de tejido artesanal hecho en telar, desempeña el puesto de presidenta de la Red Textil Europea, es vocal en la Red Textil Iberoamericana y presidenta de la Asociación de Creadores Textiles de Madrid. Estando en Madrid, para la III Bienal de Diseño, BID_12 como expositora , ella  para la presentación del fallo de la II versión del Premio Proyecta_2012 de la Red Textil Iberoamericana, y ambas directivas de dicha red, conversamos sobre los principales aspectos que han hecho que su gestión trascienda, evolucione y genere otras iniciativas.

_ Sabemos que es una persona emprendedora, que impulsa y desarrolla proyectos con la ayuda y cooperación de importantes organismos en regiones como África y en Iberoamérica. / D.C_Nos interesamos en preguntarle sobre su desarrollo específico en el campo del gremio textil,  procedencia, influencia y gestión de su labor. /L.D_Me licencié en Historia del Arte en la Universidad Complutense de Madrid. Unos años después (hablamos de finales de los 70) me inicié en la práctica textil, y más concretamente, en la tejeduría. Fue, probablemente, una reacción a una vida centrada en los libros, una necesidad interior de crear algo con las manos, de tocar el material y transformarlo. Quizá también, y aunque pueda sonar presuntuoso, me atraía poner orden en el caos. Cualquiera que haya visto el proceso del montaje de la urdimbre en un telar entenderá perfectamente lo que estoy diciendo.

D.C_¿Cómo define los términos, arte, diseño y artesanía. En los últimos tiempos hay una línea muy fina que permea las actividades relacionadas con estas áreas. Siendo el arte un desarrollo del espíritu, el diseño una herramienta que permite la funcionalidad y la ejecución en serie de técnicas artísticas llevadas a la práctica, busca mejorar la calidad de vida de las personas y un desarrollo económico, y la artesanía una producción manual, un tanto empírica,  vinculada con lo regional, lo autóctono. L.D /_Sin haberlo buscado de una manera consciente, el tejido me dio la oportunidad de acercarme al arte, la artesanía y el diseño por la vía de  la práctica. Yo tejía tapices al principio, o más bien debería decir que hacía “arte textil”. Después fui pasando al campo del diseño para la artesanía, creando y produciendo mis propias colecciones de textiles para el hogar, o para la moda. Utilizaba técnicas artesanas tradicionales para la creación de obras contemporáneas, al tiempo que introducía nuevos materiales y me ayudaba del ordenador para los diseños.

Sí, había una frontera entre el arte, la artesanía y el diseño –y, a nivel académico al menos, estaba claro que la había- muchos creadores transitábamos ya en aquellos años con total tranquilidad de un campo al otro. Esta tendencia no ha hecho más que crecer en nuestros días. Felizmente, en mi opinión, la realidad ha superado las viejas categorías académicas. 

D.C_/En estos tiempos tan tecnológicos, la artesanía ha surgido como tabla salvadora de humanización no sólo de lo material, sino de contenido en la elaboración de objetos, estrategias y planes de mejoras económicas, de concientización sobre lo natural y la necesidad de conservar los recursos naturales. D.C_/¿Cree que que esto ha potenciado un campo fértil que permite alianzas entre profesionales? Considero que hay una visión más integral que beneficia la economía y ayuda al crecimiento y mejoramiento de productos y estrategias, favoreciendo a los creadores con  menor visibilidad.

_ Lala observa que con lo dicho en párrafos anteriores, no quiere decir que arte, artesanía y diseño sean la misma cosa. Ni mucho menos y -muy importante- tampoco tienen el mismo mercado ni la misma consideración social, expresa, pero, al igual que muchos estudiosos de estos temas creen que el diseño es el futuro de la artesanía (en lo que estoy totalmente de acuerdo), enfatiza, estoy convencida de que la artesanía es el futuro del diseño. Esto es evidente tanto en los países industrializados como en aquellos otros donde la artesanía tradicional todavía es vigorosa y tiene relevancia económica. Si la unión con el diseño se hace teniendo como metas el desarrollo sostenible y la responsabilidad social corporativa, yo le auguro un futuro esplendoroso. La artesanía –actualizada- marcará la diferencia en el gran mercado global en que el que nos hemos convertido, concluye.

Campos de Gestión

DC_/¿Cómo porqué y cuándo se forma la Red Textil Europea? L.D_/La Red Textil Europea, ETN en sus iniciales en inglés, es una organización sin ánimo de lucro con sede legal en Estrasburgo (Francia) y secretariado en Hannover (Alemania). Fue fundada en 1991 para promover la cultura textil en sus tres campos: el patrimonio, la enseñanza y la creación. En 1993 ETN fue nombrada red portadora para textiles dentro del Programa de Itinerarios Culturales del Consejo de Europa. Esto le dio acceso a fondos que le permitieron identificar y “señalizar”, por decirlo así,  una serie de rutas textiles en numerosos países europeos y hacerlas accesibles a investigadores y estudiosos y público en general…Un trabajo duro, difícil en algunos países por circunstancias diversas, que duró varios años.

D.C_/¿Cuántos integrantes tiene? ¿Enumere algunas actividades que hayan sido memorables y que hayan generado reacción, por su importancia y trascendencia. L.D_/Entre sus miembros, que se  mantienen estables en torno a los 600, se encuentran museos textiles, asociaciones de artistas, artesanos o diseñadores, departamentos universitarios que se ocupan de la enseñanza del diseño textil y de moda, así como numerosos socios individuales. Todos los países europeos están representados en su afiliación, además tiene socios de otras regiones del mundo, fundamentalmente de América y Asia.

D. C_/¿Clasifique diferentes logros a lo largo de los últimos 5 años y cuáles han sido los campos en que esta red ha influenciado a grupos, personas, instituciones? L. D_/En mi opinión, el mayor logro de ETN es que ha conseguido crear un marco que favorece y hace posibles los intercambios entre los socios. Esto se hace a través de la web, constantemente actualizada, el envío del directorio anual de socios, el boletín cuatrimestral, el calendario de eventos con más de 1000 convocatorias anuales, el acceso de los socios a la base de datos con más de 5.000 direcciones y la celebración de una conferencia organizada por un país diferente cada dos años. Son los propios socios de ETN los que intercambian información y experiencias y colaboran en la organización de proyectos internacionales (exposiciones, seminarios, encuentros, publicaciones…).

L.D_/Considero que si la información no fluye de forma regular y constante es muy difícil crear esas oportunidades de intercambio y de colaboración entre los miembros. Una red no es una asociación en la que todas las acciones deban pasar por una estructura vertical, tipo junta directiva. Y no estoy hablando de comunicación…en realidad, hablo de la esencia de una red: una estructura suelta, no jerárquica, en la que la información circula con fluidez, horizontalmente. No es un tema colateral, es básico. Es así como se llega a informar sobre esos más de 1000 eventos al año que mencionaba antes, todos relacionados con la cultura textil, pero no todos creados por afiliados y ninguno creado por ETN como tal.

Por supuesto que la red puede tener sus propios proyectos y corresponde a las órganos directivos llevarlos a cabo, pero creo que su principal cometido es crear los cauces para que la comunicación fluya y, una vez creados, atender a su mantenimiento. 

D.C_/¿Es la formación empresarial una alternativa de desarrollo económico para  los diseñadores y artesanos? ¿Considera el crecimiento de pequeñas empresas culturales una realidad viable en Europa o es sólo un sueño irrealizable, por la competencia de importante industria en áreas del diseño, las disciplinas artísticas y artesanales tradicionales? L.D_/Todos los actores institucionales y económicos europeos están de acuerdo en que Europa tiene que buscar la competitividad a través de la innovación y la calidad. No podemos competir en costes con países donde no se han alcanzado los niveles de bienestar social europeos que siguen siendo altos en comparación a otras regiones del mundo, a pesar de los tremendos recortes que están sufriendo en estos días en nombre de la crisis. Por otra parte, la mayor parte del tejido empresarial europeo está formado por medianas, pequeñas y micro empresas. No es una cuestión de tamaño, sino de innovación y espíritu emprendedor.

D.C_/En Costa Rica, desde el 2009 hay una tendencia de parte de instituciones gubernamentales como (MEIC), Ministerio de Economía y Comercio, (INA), Instituto Nacional de Aprendizaje, (MCJ) Ministerio de Cultura y Juventud, Banca Nacional e instituciones académicas de capacitar en torno a este tema que mejorará en nuestro criterio la formación de los diseñadores, artistas y artesanos para formalizar su negocio y promocionar su producto y hacerlo más competitivo. L.D_/Tanto en España como en Europa, existen ayudas específicas para emprendedores y se está haciendo un gran esfuerzo en la formación en temas de gestión empresarial y en la simplificación de los trámites necesarios para abrir una empresa, que, en España en concreto, eran bastante engorrosos y consumían tiempo y recursos.

D.C._/Cómo ha sido su participación en la Red Textil Iberoamericana, cómo llega allá? ¿Cómo ve el desarrollo de una organización que abarca una amplia región?L.D_/Llegué a la Red Textil Iberoamericana, (RedTextilia), de la mano de su actual presidenta, la artista costarricense Paulina Ortiz, y…de la Cooperación Española. Viajé a San José en 2004 para asesorarla, a ella y a la artista colombiana Pilar Tobón, en la formación de una red, partiendo de mi experiencia de la Red Textil Europea, que presido desde 1997. Fue  una experiencia muy grata para mí y pienso que provechosa para el textil de nuestras regiones. Además me dio la oportunidad de conocer Costa Rica por primera vez. Por dicha, he podido volver en dos ocasiones más y conocer mejor el país y su gente y me considero muy afortunada por ello. 

L.D_/Creo que en la actualidad RedTextilia tiene un futuro prometedor. También tiene grandes retos. En mi opinión,  el principal consiste en ser capaz de crear y mantener canales de comunicación entre la Red y los distintos actores del sector de la cultura textil: artistas, diseñadores, museos, universidades, artesanos…tanto si están afiliados a la Red, como si no lo están. Iberoamérica es una región que se extiende por dos continentes y es riquísima desde el punto de vista de la cultura textil, desde el patrimonio hasta la creación contemporánea. Toda esa riqueza hay que darla a conocer y promocionarla mediante la organización de actividades y colaborando en su difusión, porque así es como crearemos valor añadido y desarrollo sostenible para todos los agentes implicados. Esa es mi visión, totalmente personal, sobre el papel de ambas redes que, y con esto termino, mantienen unas relaciones excelentes.

D.C_/Concluimos coincidiendo con que el fomentar las alianzas, diversificar las estrategias de información, y abrir canales de visualización para la gran riqueza textil de nuestras comunidades, es lo que permitirá el intercambio de conocimiento, generará oportunidades y complementará acciones que tejan entre redes nuevas  oportunidades para crecer.  Ejemplo,  el Premio Proyecta de la Red Textil Iberoamericana cuyo fallo se presentó  en el marco de la BID_ Madrid 12. Este premio se creó para el Primer Encuentro Internacional de la Red Textil Iberoamericana en Costa Rica, en el 2010. Es un espacio que premia proyectos generados en comunidades, que mediante planes comunitarios, capacitan y benefician el crecimiento y las oportunidades de desarrollo social sostenible,  en pequeños grupos de gestión, desarrollados a partir del textil.

Más sobre este tema en el siguiente artículo y sobre la BID_12, una vitrina abierta al mundo del diseño iberoamericano.

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BID_12 Madrid. Lala de Dios Teijeira y Dinorah Carballo de la Red Textil Iberoamericana presentan la II Versión de Premio Proyecta 2012 

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Primer Afiche de Premio Proyecta 2010 / (Foto archivo)Imagen

Lala de Dios Teijeira, Enrique Moreno y Carlos Couto- Ex- Director Centro Cultural Español en Costa Rica, durante inauguración SUAVE IV (Implementos de la Moda)  I Encuentro Internacional, Red Textil Iberoamericana, Costa Rica_ 2010.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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Cecilia Giménez de restauradora a directora creativa

Resulta que Cecilia Giménez, la aficionada a la pintura, quien de la noche a la mañana se convirtió en restauradora al intentar reparar la pieza “Ecce Homo” del santuario de La Misericordia de Borja, provincia de Zaragoza, España, ahora fue contratada por la empresa publicitaria madrileña “Mil Vueltas” para ser la Directora de Arte de su Departamento Creativo. Los méritos para llegar a ocupar ese puesto –según informó CNN México-,  no son los de pintora o restauradora, sino su capacidad de poner en la cartografía mundial a aquella localidad española, dándole vuelta en repetidas ocasiones en medios televisivos, impresos y redes sociales.

De alguna manera esa actitud y paradoja no puso en jaque al arte contemporáneo y a las estrategias del mercado, en tanto ese carácter subversivo de intentar traducir aquel retrato del “Nazareno de La Misericordia” al lenguaje actual donde los rostros se desdibujan -tan solo evoquemos los famosos retratos de los papas y cardenales de Francis Bacon y Picasso para citar solo algunos-, con un fuerte gesto personal, en el caso de Giménez, naïve, casi instintivo, pero que la llevó a escalar posiciones que muchos envidian.

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La pieza restaurada por Cecilia Giménez, fenómeno comunicativo mundial. (Tomada de la nota de CNN México).

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Nueva Imagen para Museo del Árbol

 

Para la edición No. 29 de la revista web Museo del Árbol, correspondiente al mes de Enero 2013, se cuenta con nueva imagen gráfica tanto en el isologotipo, diseñado por Luis Valverde, como en el rediseño de la revista realizado por Laura Rodríguez, Stefanny Gavarrete y Luis Montoya, ambos estudiantes de la Escuela de Diseño Publicitario de la Universidad Véritas. Ver en este enlace: http://www.experimenta.es/blog/museo-del-arbol-y-el-diseno-3824

El isologotipo representa un brote que puede ser de cualquier forma de vida vegeta,, planta o árbol y muestra ese carácter de los sistemas vivos que brotan donde uno menos se lo espera manejando una amplia dosis de incertidumbre, propia de estos tiempos actuales. 
La revista observa fuerza en las fotografías en composición con los textos.

ImagenNuevo isologotipo diseñado por Luis Valverde.

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Cubierta de la revista No. 29 rediseñada por Laura Rodríguez, Stefanny Gavarrete y Luis Montoya, con fotografía de Giancarlo Pucci de la Fundación Árboles Mágicos.

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